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Hablar de lo que nos significan los objetos no es novedoso. De hecho, es una dinámica recurrente en los talleres de arte, por lo menos en los de performance y arte feminista. Para mí, con la edad y las ausencias, viendo cuántos objetos he guardado durante décadas de manera casi inconsciente, hacerlo se ha convertido en una necesidad.

No es la primera vez que realizo algo sobre objetos en la casa/archivo. En 2011, cuando obtuve por primera vez el Sistema Nacional de Creadores para hacer el proyecto De Archivos y Redes, en la sección Del archivo personal de Pinto mi Raya  , escribí de ciertos objetos y documentos, como esta carterita de cerillos con la cara de Luis Echeverría o de este libro de citas célebres, del que alguna vez hicimos un performance con todo y cachetada, y con el cual ahora estoy realizando un video.  Todo se entreteje.

En este texto les platico de los objetos que seleccioné para la pequeña maleta, que perteneció a Anita, mi tía abuela, de quién también conservo un abrigo rojo. Algún día seguramente haré un performance en el que use mi ropa setentera y la de mis familiares que han fallecido que conservo.  Aclaro que cada objeto tiene historias más amplias, pero como aquí el eje es el chisme, son esas anécdotas que después de tantos años aún me dan comezón.

Todavía es posible que estas historias se conviertan en videitos para Tik Tok, en obra gráfica para una gran instalación. El tiempo dirá.

Comenzaré por la tapa, en donde coloqué todo lo colgable.

1.-

Este pequeño botón carga una tonelada de recuerdos. Lo conseguí en la mítica manifestación Take Back the Night en San Francisco en noviembre de 1978, en la que participé como asistente de Ariadne: a Social Art Network (Suzanne Lacy y Leslie Labowitz) que presentó un performance durante la marcha que incluyó un carro alegórico que de un lado tenía una virgen y del otro un borrego desollado vestido de corista de Las Vegas.  Parte de esta información la compartí en mi blog sobre la exposición Si tiene dudas… pregunte, que presenté en el MUAC en 2016, que encuentran aquí. 

Pero en cuestión de chismes, les tengo dos. El primero es que a mí me pusieron a hacer la corona de la virgen en el carro alegórico, porque pensaban que, viniendo de un país católico, seguramente sabría cómo hacerlo. Me pareció un comentario un tanto cuanto prejuicioso, pero me puse a darle a la dichosa corona, que, como verán en la foto, acabó pareciendo piñata porque eso sí sabía hacer.  

El segundo recuerdo, que todavía me produce escalofríos, es que, de regreso a Los Ángeles en la camioneta de Suzanne, como ella estaba muy cansada me dijo que yo manejara. Yo no tenía experiencia en ese tipo de vehículos e iba igual de cansada, pero acepté. Hubo un momento en el que me quedé dormida por un segundo. Cabeceé y me desperté. Me espanté tanto, que la adrenalina me mantuvo despierta el resto del camino.

2.

Este otro botón es del Feminist Studio Workshop, el programa de dos años que impartían en el Woman’s Building, la escuela de arte feminista fundada por Judy Chicago, Arlene Raven y Sheila De Brettville en Los Ángeles, California.

Como lo he platicado muchas veces, me enteré de las artistas feministas en Los Ángeles a través del #9 de la revista Artes Visuales del Museo de Arte Moderno, cuya editora era Carla Stellweg y, después de ahorrar un par de años en México, durante los cuales participé en el movimiento feminista en chilangolandia, me fui al Feminist Studio Workshop, que fue una de las mejores experiencias de mi vida.

La anécdota que acompaña a este botón es que, además de entender a fondo la discriminación hacia las mujeres, también comprendí cómo funciona la xenofobia. Un buen día organizaron un taller para analizar el racismo. También se habían hecho de clase y muchos otros temas. Yo decidí quedarme en el grupo de las “blancas” para cuestionar mi propio privilegio aquí en México. Pues resulta ser que la primera que habló fue una estudiante estadounidense jovencita y dijo que acababa de estar en México, se había subido a un camión y no le había pasado nada. Por poco me ahogo ante semejante idiotez. ¿Qué esperaba? ¿Qué la asaltaran o la violaran? En ese momento entendí que, por más que pudiera pasar por blanca en Estados Unidos, mi lugar estaba con las compañeras negras, asiáticas y chicanas. Me paré, me salí y me fui a buscarlas a la cafetería, donde estaban muy divertidas fumando y echándose un cafecito. 

Hoy la dejo aquí y ya les seguiré contando.

Mónica Mayer, septiembre 2024.

          En el capítulo anterior  les conté de las mercancías para el proyecto Trato directo  en la Galería Tianguis Neza y hoy toca platicarles sobre el proceso de montar el puesto y realizar la acción de Chismes, recuerdos y uno que otro olvido que compartí con el público.

Si no tienen o paciencia, les dejo aquí el tráiler que resume la jornada. 

Poner un puesto siempre es un trabajal. Además de producir lo que se tenga que producir, hay que reunir los materiales, hacer la lista de precios y empacarlos. En esta ocasión, eso lo hicimos Víctor Lerma, Tonantzin Arreola y yo.

Luego, el mero día, Yuruen Lerma y Brenda Hernández nos ayudaron a transportar todo al lugar indicado, al que nos guio Tamara Gayol y en el que nos esperaba con todo y diablito Luis Valverde. Entre todo montamos el puesto. También nos acompañó Natalí Olac Farfán, quien documentó todo el proceso. Tanto el video, como todas las fotos, las hizo ella.

 Minutos después de empezar, realizamos el ritual del proyecto Contrato Efímero, que consistió en leer en voz alta y firmar el documento que yo misma había redactado para colgarlo a la vista. Me parece un proyecto interesante porque, curiosamente, las únicas galerías en las que he expuesto que han tenido un acuerdo firmado, han sido de artistas, como La Masmédula de Rigel Herrera, Fernando Islas y Juan Carlos Monroy, que existió a principios del milenio en el garaje de un edificio en la calle de Bucareli en la Ciudad de México.

Para mí, hacer una acción por primera vez implica un proceso de aprendizaje concentrado. Sabía el motivo por el qué había seleccionado cada objeto y de que platicaría, pero esto cambiaba radicalmente en cada interacción según qué tan en confianza me sentía con cada persona o que otra cosa recordaba.  

Con Patricia Vega, periodista, poeta y querida amiga desde los años 80 con estuve platicando un ratito, compartiendo un chorro de recuerdos.

James Oles me regaló a mí un chisme: al ver mi delantal, me dijo que alguna vez  Lola Álvarez Bravo le comentó que la iban a entrevistar tantas personas, que mejor se iba a parar afuera de su casa con un letrero y cobrando por respuesta. Bueno, creo que eso me dijo más o menos.

Mi querida Karen Cordero, cómplice, amiga y hermana, quien se sabe todos los chismes de mi vida.

Mi querida Lorena Wolffer quien además de saludar, fue a echarle ojito al puesto para ver si presenta ahí su obra pronto. Este sí es chisme caliente.

Después nos metimos de lleno al chisme y no paré en cuatro horas. Vinieron amigos y amigas queridas como Patricia Vega, Sol Henaro, Karen Cordero, Lorena Wolffer, Tonantzin Arreola, Diego Sexto, Álvaro Villalobos y James Oles. Llegó la porra familiar (Adán, Orly y Elián) a apoyar. Y pasaron quienes conocían mi trabajo y querían saludar, así como el río de gente que va a chacharear los domingos a La Lagunilla. Y, como suele suceder en este tipo de intercambios, yo compartí varios chismes, pero me platicaron muchos más.

Hubo momentos en los que me encontré compartiendo cosas muy íntimas o dolorosas que no me hubiera imaginado, aunque no faltaron las babosadas y los chistes. De igual forma, los objetos de los que no hay recuerdos, sino olvidos, me dejaban en una situación difícil con el público: ¿cómo se comparte un olvido? En ese momento quizá no supe, pero ya después se me ocurrieron varias estrategias.

De lo que no nos olvidamos fue sacarnos la foto Luis y yo con Escandalario, ese pequeño librito que hizo que se cruzaran nuestros caminos. Y, como llevé varios ejemplares, hasta estuve autografiando los que se vendían.

Ya como a las dos de la tarde empezamos a planear la retirada, por lo que completamos el ritual de Contrato Efímero: me invitaron a bajar el contrato y a hacer lo que quisiera con el contrato para meterlo a un recipiente que se sellaría.

A mí se me antojó romper el documento en pedacitos muy pequeños. Después de un rato de plano solicité apoyo y entre varias personas terminamos. Siendo como es mi trabajo y lo que me gusta invitar al público a participar en mis piezas, resultó muy adecuado (y divertido) este trabajo colectivo.

Estoy feliz de que Luis Valverde me haya invitado a su proyecto, lo que me permitió echar a andar esta nueva pieza de archivo y de pasada jugar un poco con el look pelón que traigo, que por cierto es parte del proyecto Inter Pelaciones, del que ya hay también noticias en este blog. Todo se entreteje. 

Mónica Mayer, agosto 2024

          Hace un año, por ahí de agosto de 2023, Luis Valverde me escribió para invitarme a participar en la Galería Tianguis Neza, que es un puesto en La Lagunilla al que convoca a diferentes artistas a exponer los domingos. En sus propias palabras “es un proyecto de arte que responde a los cuestionamientos sociales que genera el mercado del arte” cuyo objetivo es “socializar el arte a través de un trabajo colaborativo con artistas, curadores y promotores de arte.”

Como apasionada de los espacios independientes o alternativos de artistas, y más si el espacio mismo es un proyecto artístico, desde un principio me entusiasmó la idea de participar. Sin embargo, entre que estoy produciendo a todo vapor para mi proyecto del Sistema Nacional de Creadores de Arte, que estaba preparando e inaugurando mi exposición Hija de su Madre en Veracruz y luego en Xalapa, que me dio COVID y que de plano no encontraba exactamente cómo participar, le di largas a Luis durante meses.

Mi joven colega resistió y siguió insistiendo. Me escribía cada dos o tres meses. En alguna ocasión que de nuevo me negué y ya hasta me daba pena, Luis me contestó “Todo con calma porque hay alma…”, lo cual me llamó mucho la atención. No sé si sea un dicho, pero si no lo es, debería de serlo porque, en efecto, es la esencia de que una obra o cualquier proyecto sea el resultado de un proceso y no solo un compromiso. 

De repente, a finales de junio, me cayó el veinte que podía combinar mi proyecto del SNCA con el de la Galería Tianguis Neza y santo remedio. El largo proceso cuajó y se armó en un dos por tres. Luis me escribió el 28 de junio, el 9 de julio él y Tamara Gayol Massimi vinieron a la casa a platicarme más a fondo de lo que querían y me fui con ellos al tianguis el domingo 21 de ese mismo mes. Participaría en el puesto de Luis en Trato Directo y ahí mismo en el proyecto de Tamara, que se llama Contrato efímero y reflexiona sobre las extrañas y complejas relaciones entre artistas y galeristas.

Foto Tamara Gayol                                                       Foto Víctor Lerma

Ese día, aunque ya me lo había mencionado en los correos, también entendí que para Luis era importante que yo participara en su proyecto, porque mi libro Escandalario: Los artistas y la distribución del arte había sido significativo al idear un espacio como la Galería Tianguis Neza. Me mencionó que incluso su ejemplar ya estaba todo destartalado de tanto hojearlo. De ahí su insistencia y su paciencia.  Con todo lo que les platiqué en mi texto anterior, se pueden imaginar que para mí esto es un gran regalo: mi pequeño librito que llegó en un momento tan difícil, que recibió una mención sin mencionar mi nombre y que casi no se había vendido, el patito feo de todos mis libros, había servido de algo. 

Mónica Mayer

Agosto 2024

          El proyecto Las artistas del pasado recupera, desempolva y reempaqueta una conferencia de 1979 que ha estado guardada mucho tiempo en mi archivo, en donde estaban las diapositivas y el guion y ahora viaja libremente por las redes sociales.

La primera idea fue hacer una cuenta de Instagram con cada una de las diapositivas de la conferencia, porque juntas parecían una guarda de diapositivas.

Al empezar a trabajar, fue evidente que el guion no podía fragmentarse de esa manera y, junto con Tonantzin Arreola, quien se encargó de la edición de los videos, optamos por reunir una o más diapositivas en pequeños videos de acuerdo a los temas. Salieron 29 videos, más la introducción y los encuentran aquí. A diferencia del orden normal de Instagram, en este proyecto se siguió la organización de las guardas y la primera “diapositiva” está hasta arriba y hay que moverse hacia abajo para que seguir el orden. 

          Trabajar pequeños videos resultó perfecto porque desde el año pasado empecé a utilizar TikTok para difundir las piezas de Hablando se entiende la gente, y noté que decido si quiero ver o no un video en menos de diez segundos, por lo que entendí que, entre más breves sean, mejor. Si quieren ver la conferencia en TikTok, la encuentran aquí.

 Naturalmente no podía dejar afuera a FB, que es en donde habito desde 2008. Ahí he ido subiendo los videos poco a poco, con la enorme ventaja de que, como es el espacio en el que cuento con más amigxs y seguidorexs, el material se ha ido compartiendo en otras páginas. Aquí lo encuentran

Así mismo, quien quiera ver todo el material reunido en un solo video, está la versión para Youtube aquí.

En X empiezo a subir el material. Lo pueden consultar aquí.

Por último, les dejo la liga a mi texto Lo que sentí la primera vez que vi esas diapositivas, aquí en este mismo blog. Sus comentarios siempre serán muy bienvenidos.  

Mónica Mayer, julio 2024

Fotografía: Yuruen Lerma.

Trabajar mi propio archivo siempre es una aventura que me confronta con la fragilidad de mi memoria.

Como saben, estoy trabajando sobre las diapositivas setenteras en nuestro archivo y ahorita específicamente en las diapos de una conferencia de mujeres artistas del Siglo XII al Siglo XX que ha nutrido muchas de las pláticas que he dado a lo largo de los años.

Según yo, estas diapositivas me las habían dado en el Woman's Building con todo y su guion: así como para salir a conquistar al mundo hablando del tema por todos lados. Yo solita me inventé una historia que repetí en muchas conferencias.

También pensaba que podía haber sido una investigación de las historiadoras Ruth Iskin o Arlene Raven ya que ambas trabajaban en aquella mítica escuela de Arte en Los Ángeles, y que seguramente estaba en gran parte basada en el libro Women Artists 1550-1950 de Ann Sutherland Harris y Llinda Nochlin, que era de los pocos publicados sobre el tema en ese momento. Además, en cierto momento empecé a “recordar” que había traído estos materiales a México en 1976, después de la primera vez que fui al Woman’s Building a un taller de dos semanas.

Cartel diseñado por Mónica Mayer.

Hace unos días me entró la duda porque cuando regresé de aquel viaje presenté mi primera conferencia en México. Venía tan entusiasmada, que Juana Gutiérrez y Armando Torres Michúa, mis maestros de historia del arte, me sugirieron que diera una plática y me vieron tan aterrada ante la idea de hacerlo, que ofrecieron acompañarme y hablar sobre mujeres artistas a lo largo de los siglos. En aquella plática en el auditorio de la Antigua Academia de San Carlos, cede entonces de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, nos sentamos sobre el escritorio los tres para que todo fuera más informal y pusieron algunas velas para que no estuviera yo tan nerviosa. No sé si ellos mostraron imágenes, pero sí estoy segura que yo no presenté esa conferencia que supuestamente había traído del Woman’s Building porque hubiera sido absurdo: ellos sí eran historiadores del arte y estaban ahí para hablar de eso.

Foto Ana Victoria Jiménez.

Me puse a recordar dónde había dado esa conferencia y el único lugar que tenía claro, con documentos probatorios y todo, era el Museo Carrillo Gil, durante mi proyecto Traducciones: un diálogo internacional de Mujeres Artistas a finales de 1979. Y, pues ni modo, a revisar todo el expediente. Si se fijan en la foto de arriba, en la esquina derecha de abajo está la invitación a la conferencia en el museo que fue el 13 de diciembre de 1979 y se llamó La participación de las mujeres en el arte.

Foto Ana Victoria Jiménez

Resulta ser que la conferencia la preparó Jo Goodwin (chaleco rojo) quien, junto con Denisse Yarfitz (sentada atrás de Jo) y Florence Rosen (parada), vinieron conmigo a México a dar una serie de talleres y pláticas y a conocer el trabajo de artistas mexicanas, para después regresar a Estados Unidos para difundir información sobre las artistas mexicanas.  

Foto Ana Victoria Jiménez

Tuvimos un muy público esa noche.

Por lo pronto, gracias al archivo ya tengo la respuesta a mis dudas sobre estas diapositivas que están en proceso de convertirs⇐e en un par de piezas de las que ya les platicaré. 

Revisando el guion original de la conferencia, me dio mucha ternura que venía con todo e instrucciones de cómo presentarla. Antes de empezar, Jo me recuerda que comparta los límites de la investigación: en otras palabras, que básicamente era sobre pintoras europeas. Sabia mujer. Y, si, incluso entonces todas teníamos muy claro que había una narrativa hegemónica que era importante cuestionar.

Más adelante, como se ve hasta abajo, me confiesa que ya está agotada. Según el reporte general del proyecto en mi archivo, que seguramente hice porque el proyecto Traducciones fue parte de mi tesis de maestría llamada Feminist Art: An Effective Political Tool, escribo que la conferencia sobre las artistas del pasado la hizo principalmente Jo con ayuda de las demás y que yo la traduje y leí.

En fin. El misterio de cómo llegaron estas diapositivas ya está resuelto. Habrá que ver que otros encuentro.  

Mónica Mayer, 23 de abril de 2024.

El año empezó tan movido, que no he tenido tiempo de sentarme a escribir en este blog y menos de recorrer a fondo el gran lote de diapositivas y documentos digitalizados que me entregó Brenda a finales del año pasado: desde entonces he estado clavada preparando una exposición individual que tendré próximamente en Veracruz y después en Jalapa. Ya les contaré. Entre acabar los dibujos que faltaban, restaurar obra, reenmarcar, enmarcar, producir algunas piezas y buscar todo lo necesario en el archivo, no hemos parado. Esta exposición, que se llamará Hija de su madre y cuya curaduría está a cargo de Marisol García Walls y Yuruen Lerma Mayer, me tiene muy entusiasmada porque analiza la relación de mi obra con el tema de la familia, que ha sido una constante de muy diferentes maneras a lo largo de las décadas. Como la expo en Veracruz inaugura a principios de abril, tuve que dejar todo eso listo antes de sentarme a ver las diapositivas, hasta ahora.

Lo primero que me llamó la atención de los materiales digitalizados fue ver juntas, después de tantos años, las dos conferencias que incluí como parte de mi tesis de maestría en Goddard College que se llamó Feminist art: An Effective Political Tool y en la cual la artista Suzanne Lacy fungió como mi asesora.

La primera se llamó Feminist Art: The Personal and The Political y ya estoy desarrollando algunas ideas de cómo presentarla hoy en día. La segunda fue la conferencia de mi proyecto Traducciones: un diálogo internacional de mujeres artistas. Con ésta última ya había trabajado desde mi exposición en el MUAC en 2016 y aquí pueden ver la reactivación de la pieza.

También se escaneó la tesis original, que escribí en mi máquina portátil, y, naturalmente, me puse a releerla. La primera parte incluye la introducción y capítulos sobre el Arte en la sociedad capitalista, las Mujeres y el arte, El Arte Feminista y su relación con la Sociedad, el Arte Feminista, Lo personal y lo Político, Antecesoras del arte Político y la Educación artística. Estoy considerando compartirla por aquí ya que me parece un documento de interés para quienes estudian el arte feminista en nuestro país. Ya veremos.

La segunda parte son los guiones de las conferencias antes mencionadas junto con pequeñas reproducciones de las imágenes y la tercera parte consiste en una serie de cartas que le escribí a mujeres con las que trabajé en los distintos proyectos que realicé para esta tesis. Y por último están las conclusiones. La verdad es que empezar a releer ese texto de 256 páginas, de hace tantas décadas me conmueve y me muestra claramente porqué pienso lo que pienso hoy, aunque también hay ideas que he desechado o han evolucionado con el tiempo. Por otro lado, me sorprende y agradezco que, con lo rígido que suele ser el medio académico, en aquel momento plantee un formato de tesis que era congruente con mi producción y con lo que planteaba teóricamente y me lo aceptaron.

Tepito Arte Acá                                                                     Proceso Pentágono

No Grupo                                                                          Grupo Suma

Fotos Víctor Lerma, excepto la de Grupo Suma que no estoy segura si la tomó Víctor o ellos nos la dieron.

Entre las diapositivas también están las de los artistas de la Generación de los Grupos que usamos Víctor Lerma y yo en una gira de conferencias que dimos por varios países europeos en 1980. De esa ya platicaré más a fondo, pero había trabajo de Tepito Arte Acá, Proceso Pentágono, el No Grupo, Germinal, Suma, etc.

Foto Adolfo Patiño

También encontramos estas diapositivas de un performance a finales de los setenta que hace Carla Rippey y documenta Adolfo Patiño que me encanta.

Foto: Mónica Mayer

Por último, apareció toda una serie de fotografías de Stelarc, el artista australiano que vino a hacer una de sus Suspensiones al Espacio Escultórico en 1980, de las cuales les platicaré más a fondo en unos días porque me trajo muchísimos recuerdos de aquél inolvidable momento.

Mónica Mayer. Enero 2024.

Diseño de diapositivas: Brenda Hernández Novoa

Hace algunos meses me contactó Valeria Macías, directora de Ex Teresa, para invitarme a participar en uno de los eventos conmemorativos del aniversario número 30 de lo que originalmente se llamó X’TeReSa.

Como yo estoy metida de lleno en mi proyecto Hablando se entiende la gente: interviniendo el archivo de Pinto mi Raya desde el texto, la imagen y la palabra, le propuse hacer una obra para hablar sobre mis tres participaciones como artista en Ex Teresa, que son conferencias performanceadas, por lo que entra perfecto con lo que estoy trabajando para el SNCA.

Además, sugerí que, como Ex Teresa es de los lugares de los que más he escrito desde su fundación, buscaría en mi propio archivo todos los textos en los que lo menciono. De hecho, en su Centro de Documentación tienen muchos de mis textos publicados en El Universal, pero están espolvoreados en los distintos proyectos sobre los que escribí y para mí esta sería una manera de darle más visibilidad al trabajo de documentar el arte efímero desde la palabra.

Aceptaron y quedamos que mi conferencia performanceada se llevaría a cabo el 6 de octubre de 2023.

Tonantzin Arreola, quien nos apoya en Pinto mi Raya desde 2015, y yo nos pusimos a trabajar inmediatamente. Lo primero fue seleccionar todos los artículos que publiqué en El Universal de entre los 40,000 artículos de Raya: crítica, crónica y debate en las artes visuales, que es el proyecto de Pinto mi Raya en el que reunimos los textos de opinión de los principales diarios de México entre 1991 y 2016. Afortunadamente, hay una versión digitalizada, lo que facilitó un poco el trabajo. Después revisamos que estos textos coincidieran con la versión en papel que yo guardé de mis artículos publicados en El Universal semanalmente a lo largo de 20 años por si faltaba alguno en un lado o el otro.

Mientras Tona hacía esto, yo me dediqué a revisar entre mis archivos digitales en busca de los artículos que escribí para revistas, libros y blogs en los que mencionaba a Ex Teresa, para recuperarlos de la biblioteca o de los sitios en internet e integrarlos a este proyecto.

A la par de la selección de textos, empezamos a reunir todo lo que había en el archivo físico y el digital sobre Huesitos (1983), El mejor amigo de los museos (1997), y I ♥ Mexican ♀ Performance Artists (2014), que son las tres piezas que presenté en Ex Teresa. Esta búsqueda sirvió para hacer una base de datos de cada una para construir la nueva conferencia para Ex Teresa, pero también para ver si había materiales de utilidad para el Centro de Documentación de Ex Teresa, a donde asistimos a principios de septiembre para ver lo que tienen sobre estas tres obras. Es interesante como meterse al archivo para hacer una nueva obra siempre lleva a trabajar áreas que faltan por clasificar.

Una vez que acabamos con nuestras titánicas labores y teniendo frente a mi todos estos los materiales, decidí hacer un archivo de artista, que es algo así como un libro de artista, pero conformado por materiales de archivo.

Este archivo de artista está integrado por 2 tomos y casi 500 páginas de documentos: el primero incluye los 112 textos en los que menciono a Ex Teresa que publiqué en periódico El Universal y el segundo reúne los textos en revistas y blogs sobre el mismo tema, así como algunos documentos que estaban en nuestro archivo y ellos no tenían que podrían serles de utilidad.

De pilón les incluí una copia de cinco de los libros que yo he escrito o catálogos de las reactivaciones de las piezas hechas en Ex Teresa, así como una camiseta y un imán de I ♥ Mexican ♀ Performance Artists y una taza de El mejor amigo de los museos.

Fotografía de Antonio Juárez

Hacer la conferencia me fue muy interesante porque implicó recorrer el archivo y los recuerdos… y con ellos un montón de sentimientos. También me permitió entender todo aquello a la distancia.

Lo primero que me llamó la atención fue lo variado de mi interacción con Ex Teresa a lo largo de las décadas. Entre otras cosas me presenté ahí como artista, participé en múltiples mesas redondas y presentaciones de libros, fungí como jurado, escribí un titipuchal sobre sus actividades y broncas, fui parte de su consejo, he seguido de cerca el crecimiento y consolidación de su Centro de Documentación y en mi archivo acabaron diversos documentos sobre este proceso.

Estar tan cerca de Ex Teresa me permitió enterarme de muchos chismes y problemas de la institución, lo que hizo que mi relación con ellos a veces fuera complicada y hasta áspera, pero también reconozco, aunque no lo dije en la plática del 6 de octubre, es que ahí conocí a muchxs colegas a quienes quiero y aprecio y otrxs que se han convertido casi casi en mi familia. Mi vida profesional ha estado ligada a este antro cultural, pero también mi vida personal y afectiva.

Algo que también fue interesante es que hoy, a la distancia y en otro contexto, puedo ver estas piezas y entender que aportaron tanto a mi producción personal, como al medio artístico.

Por ejemplo, al hablar de Huesitos, (AQUÍ pueden consultar el video del performance y hay una descripción más amplia de la pieza AQUÍ) noté que lo que yo hice en ese momento fue una pieza amorosa en la que entre todas las personas participantes despedíamos a una anciana que recientemente había fallecido, lo cual, en una época en la que lo habitual eran performances violentos y provocativos, seguramente fue considerada irrelevante. En ese momento no se entendían ni las propuestas feministas ni las de práctica social. Y ahí estoy yo, haciendo un performance en colaboración, horizontal y amoroso, con amigos cercanos y mis hijitos.

      El catálogo que desapareció.

A la distancia noté que, en los catálogos del Festival Internacional de Performance en Ex Teresa (este que estaba tan mal hecho que lo recogieron y el que el que se publicó y circuló), la foto de mi pieza aparece muy chiquita y hasta atrás. En éste incluso no le pusieron título. Cuando recordé que el performance fue programado para el 2 de octubre, fecha en la que era casi imposible tener acceso al centro, reafirmé la idea de que no consideraban mi obra importante. En ese momento yo estaba tan ocupada haciendo mi trabajo que ni cuenta me dí. Hoy me parece muy divertido porque, a la luz de los derroteros que ha tomado el arte, veo que era una pieza compleja que cuestionaba la idea tradicional del performance como una acción efímera frente al público en la que el cuerpo era la única posibilidad. Esta pieza tenía un componente ante público, también tenía un performance gráfico a partir de una obra de gráfica digital experimental y de gran formato, un texto y una serie de dibujos que formaban una instalación que invadió el espacio más allá de la acción física.

En mi conferencia performanceada reciente también hablé de la relación de Huesitos con otros proyectos de Pinto mi Raya, y sobre las formas en las que se ha mostrado posteriormente.

Al revisar los materiales de El mejor amigo de los museos, volví a confirmar que, por peculiar, es de mis piezas favoritas: empezó con una entrevista periodística que recortamos para nuestro proyecto Raya: critica, crónica y debate en las artes visuales y regresó como carta de protesta a 11 diarios. Como explico en el sitio de Pinto mi Raya, esta acción se nos ocurrió cuando leímos la entrevista al Sr. José Pintado, presidente de la Federación Mexicana de Amigos de Museos (FEMAM), en la que anuncia que los artistas por fin se convertirán en amigos de los museos porque nos habían pedido que le donáramos obra a Ex Teresa para subastarla y esa lana iría a la FEMAM podría apoyar a los museos. Nos pareció irónico que dijera eso porque consideramos que los artistas siempre hemos sido más que generosos con los museos, sus mejores amigos… y nos tratan como a sus perros.

En una mampara expusimos esta situación y luego invitamos a artistas, críticxs y gestorxs a firmar una carta planteando la situación de precariedad que viven la mayoría de las personas dedicadas al arte y exigiendo que se nos pagaran cosas básicas como derechos de exhibición.

La carta la firmaron cerca de 80 personas y salió publicada en 11 periódicos, que se reintegraron a nuestro archivo.

Al igual que con las demás conferencias performanceadas, también hablé de cómo se habían reactivado, transformado o presentado posteriormente

La última pieza a la que me referí, la más reciente, fue I ♥ Mexican ♀ Performance Artists que tiene una historia tan larga que parece telenovela, misma que está relatada en detalle en mi blog De Archivos y Redes bajo el nombre Visita al Archivo de Ex Teresa.

La pieza es parte del macro proyecto en el que he estado trabajando en los últimos años que se llama De Archivos y Redes en la cual visito diversos archivos y hago obra a partir de estas inmersiones. Muchas de estas visitas dieron como resultado varias piezas. Así, por ejemplo, de la Visita al Archivo de Ana Victoria Jiménez salieron Archiva: obras maestras del arte feminista en México y Maternidades secuestradas.  En este caso, de Visita al Archivo de Ex Teresa, salió I ♥ Mexican ♀ Performance Artists como única obra. Por eso puede parecer que tiene dos nombres.

Algo que me llamó la atención de esta pieza es que, más que escribir sobre ella una vez que terminó, como en los dos casos anteriores, en I ♥ Mexican ♀ Performance Artists, la documentación fue un elemento fundamental de la obra. En total fueron 14 textos, mismos que están incluidos en el segundo tomo que le regalé a Ex Teresa. La noche de la presentación hice énfasis en el hecho de que muchas veces, si nosotrxs mismxs no escribimos sobre nuestra obra, nadie más lo va a hacer.

Así mismo, mencioné un apéndice del proyecto que es el grupo en FB en donde, desde entonces, comparto información sobre mujeres artistas. Inicialmente lo abrí para subir las fotos que me enviaba el público que asistió a la conferencia performanceada y a quienes les pedí que se tomaran una foto con la camiseta por otro lugar, pero a la fecha sigue el grupo.  

Entre las cosas que le entregué como parte de Mi larga, muy larga relación con X’TeReSa fueron 51 ejemplares de la revista High Performance que Lorena Wolffer nos trajo al archivo de Pinto mi Raya cuando terminó su período al frente de Ex Teresa. Nos comentó que esas revistas se las habían regalado a ella personalmente y prefería que estuvieran con nosotros a que se quedaran en el Centro de Documentación. Conociendo todas las historias negras del archivo de Ex Teresa y de tantos materiales que se perdieron en diversos momentos por descuido o mala leche, le dije que las recibía, pero el día que confiara en que el Centro de Documentación ya estaba bien protegido, se las entregaría y aproveché esta ocasión y los cambios que he visto para dejarlas por allá. Sin embargo, me queda claro que falta mucho por hacer como lograr que los materiales de archivo sean patrimonio nacional, como las colecciones de arte. Ojalá que mucha gente consulte las revistas porque son buenísimas. Es la historia del performance en y desde California desde sus inicios.

Foto: Yuruen Lerma

Por cierto, Ex Teresa también me dio mi regalito pues terminaron de editar mi presentación el video de I ♥ Mexican ♀ Performance Artists. Como comenté, los proyectos con archivos sirven para terminar procesos pendientes. Así mismo, esa noche, alrededor del público se colocaron 3 enormes pantallas en donde se estuvieron transmitiendo los videos de mis piezas. Aquello se veía espléndido.

Por lo pronto están en proceso de editar la presentación ante público de Mi larga, muy larga relación con X’TeReSa que espero compartirles por aquí tan pronto como esté lista.

La mesa de regalos.

Mónica Mayer, octubre 2023

A lo largo de los años he aprendido varias cosas sobre el arte efímero, pero, la más importante, la más obvia, es que eventualmente todo el arte desaparece, pero el arte efímero lo hace de volada. Si no se documente por distintos medios, ya sea visualmente, a través de textos o de la historia oral, o si no se replica, será difícil que reverbere, cosa que sería importante para continuar con las cadenitas de conocimiento van construyendo eso que llamamos arte. En este sentido, como las personas también somos efímeras, pienso que la forma en la que recordamos a los muertos también nos funciona para el arte efímero: lo podemos recordar a través de fotografías o grabaciones, por sus hijxs, su legado o sus mitos. Estas obras viven en el archivo, en la memoria y en otras obras.

Teniendo esto en mente, el día que Gemma Argüello vino a escudriñar mi archivo como parte de la investigación de la exposición Coordenadas móviles: redes de colaboración entre mujeres en la cultura y el arte (1975–1985) que estaba preparando con Carla Lamoyi, Roselin Rodríguez y Natalia de la Rosa, y pensando en las piezas que estoy desarrollando para mi proyecto Hablando se entiende la gente: interviniendo el archivo de Pinto mi Raya a partir del texto, la imagen y la palabra, que precisamente investiga los silencios en los archivos de arte y las lagunas en mi propia memoria como artista, propuse hacer un breve video en el que hablara sobre la conferencia performanceada Mujeres artistas o se solicita esposa.

Les cuento un poco de esta obra del grupo de arte feminista Polvo de Gallina Negra (Maris Bustamante y Mónica Mayer). En 1984, la Subsecretaría de Cultura de la Secretaría de Educación Pública (SEP) sacó una convocatoria, para que grupos de artes escénicas se presentaran en escuelas de nivel medio por todo el país. Participamos en las audiciones con una conferencia performanceada titulada Mujeres artistas o se solicita esposa, en la que hablaríamos de distintas problemáticas sociales que enfrentamos las mujeres a través de la obra de mujeres artistas de nuestra generación y nos aceptaron. Es la primera obra del grupo que hoy podríamos definir como práctica social y que nosotras llamábamos “proyectos visuales”. 

En ese momento, yo tenía un hijo pequeño y tanto Maris como yo estábamos embarazadas, por lo que pedimos trabajar en el Estado de México para poder ir y regresar todos los días. Durante un mes entero anduvimos del tingo al tango, recorriendo población tras población, escuela tras escuela con nuestra conferencia performanceada. Eran otros tiempos y nunca se nos ocurrió documentar. Además, era una pieza de larga duración y siempre en lugares diferentes, por lo que, si hubo prensa, no nos enteramos. Aprender a documentar este tipo de piezas tiene su chiste y, como en ese momento ese tema ni siquiera se discutía en el medio artístico mexicano, hemos ido aprendiendo a partir de nuestros errores.

Sin embargo, me parece importante rescatar esta obra, aunque sea a partir de tres documentos y dos recuerdos, porque realmente fue muy radical para su momento. De entrada, en esa época había poco performance y éste estaba totalmente alejado del ámbito escénico. La idea de las “artes vivas” no se contemplaba. La idea de llevar performances a escuelas de nivel medio tampoco era habitual. Pero lo más extraño era hacer una obra que mostrara el trabajo de las artistas mexicanas y que, a partir de sus obras nos refiriéramos a temáticas claramente feministas como la violencia familiar, el aborto, los papeles de hijas e hijos en las familias y, en general, la desigualdad que enfrentaban mujeres de todas las clases sociales en relación con los hombres. Y, sin embargo, el hecho de que todo estaba empacado en un formato “conferencia”, que hablábamos en un lenguaje cotidiano y usábamos el humor como hilo conductor, permitía que el público se acercara fácilmente a lo que decíamos.

 Al tratar de reconstruir la conferencia entre los miles de diapositivas que tenemos en el archivo de Pinto mi Raya, pudimos detectar algunas y encontré unos cuantos documentos. A partir de eso, a manera de reflexión sobre los huecos en los archivos y la memoria, realicé una pieza nueva: Mujeres artistas o se solicita esposa: recuento de una gira, que se presenta en la muestra, pero que también pueden ver desde la comodidad de su casita AQUÍ MERITO. 

Para terminar, les recomiendo ampliamente esta exposición, basada en una amplísima investigación que llevaron a cabo las curadoras, logrando un fino entretejido de muchas voces de las mujeres dedicadas a la cultura y al arte en esa década. Para mi fue una sorpresa porque, aunque yo viví muy de cerca ese momento, verlo a través de los ojos de una generación más joven es muy enriquecedor. Si no pueden llegar a la exposición, prometen que para enero del 2024 habrá una publicación sobre la muestra.

El día de la inauguración hablaron Tatiana Cuevas (directora del MACG) y las cuatro curadoras, quienes se refirieron al núcleo que cada una de ellas curó. Pero lo más conmovedor fue encontrarme con amigas con las que he seguido en contacto, aunque sea por Facebook, como María Eugenia Chellet, Nunik Sauret, Guadalupe García. Aracali Zúñiga, Rowena Morales o Ana Barreto, pero también con quienes no veía hace casi cuatro décadas, como Roselle Faure y Laita (Bio-Arte) o Isa Restrepo (Tlacuilas y Retrateras). Fue un chapuzón de nostalgia.

Mónica Mayer, octubre 2023.

Primer tiempo

Conocí a Elizabeth en 1982, cuando se inscribió a un taller de arte feminista que facilité en la Antigua Academia de San Carlos, en lo que entonces era parte de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. No recuerdo cómo fue la primera sesión, pero conservo la sensación de sorpresa, gratitud y afecto con la que llegamos cada una de las artistas e historiadoras del arte que participamos, especialmente las más jóvenes, como Elizabeth Valenzuela y Patricia Torres. Nos sentíamos en casa, en un lugar seguro.

Estuvimos reuniéndonos todos los sábados durante dos años en un salón al que le decían El Toreo o, cuando se negaban a abrírnoslo porque a más de uno le irritó que hubiera un taller de arte feminista en San Carlos, nos íbamos al Café Moneda. Ahí compartíamos información sobre mujeres artistas, se investigaba la situación de las artistas en México^[i] o hacíamos dinámicas como la del pequeño grupo en el que cada una compartía sus vivencias personales para entender los aspectos estructurales de nuestras experiencias. Esto permitió que nos conociéramos bien y que se afianzara el afecto que surge de escucharnos atentamente las unas a las otras. El proceso llevó a la conformación del colectivo Tlacuilas y Retrateras.

De izquierda a derecha: Ana Victoria Jiménez, Elizabeth Valenzuela y Lorena Loaiza.  Foto posiblemente de Víctor Lerma.

La primera actividad pública del grupo fue la participación en una manifestación en contra de la violencia hacia las mujeres para la cual se hizo esta manta invitando a las mujeres a defenderse de las agresiones.  Ahí vemos a Elizabeth en primera fila. En esa manta se percibe la mano de las artistas. 

Otro de los eventos fue un performance sobre el trabajo doméstico que se presentó en la Biblioteca de México, en el cual el grupo entero participaba manipulando unas enormes telas sedosas, en un juego sensual y sensorial.

En 2016, cuando se presentó documentación de Tlacuilas y Retrateras en mi exposición Si tiene dudas pregunte… una exposición retrocolectiva de Mónica Mayer en el MUAC, intentamos averiguar de qué se había tratado el performance y nadie supo. Solo había recuerdos vagos de que tenía que ver con la creación física y artística, pero nada específico. Curiosamente, lo que sí se me quedó grabado fue la sensación envolvente y ligera de esas enormes telas por las que entraban y salían las integrantes del grupo.

Elizabeth Valenzuela y Patricia Torres

De izquierda a derecha: Patricia Torres, Marcela Ramírez, Ana Victoria Jiménez, Lorena Loaiza y Karen Cordero.

En 1984, Tlacuilas y Retrateras se lanzó a organizar La fiesta de XV años, su proyecto más ambicioso. El tema del proyecto se decidió colectivamente y de la misma manera se realizó la amplia investigacion social, económica, política y artística que lo sustentó. Todas participamos en los diversos aspectos de la organización de la pieza, incluyendo el baile para el cuál hasta nos compusieron un vals, la exposición y los eventos paralelos, así como en el diseño, la difusión y las estrategias para invitar al público, que fueron muy exitosas ya que llegaron cerca de dos mil personas, siendo que esperábamos un máximo de doscientas. El espacio se desbordó.

   
Durante el ensayo de la Fiesta de XV años, Elizabeth bailando con el artista Nahum B. Zenil.

Menciono esto porque además del trabajo colectivo, varias hicieron performances en pequeños grupos. Elizabeth y Patricia llevaron a cabo una pieza muy íntima a medio patio y, con el caos por la enorme cantidad de público, era imposible escucharlas.  Raquel Tibol, la crítica más conocida y temida en ese entonces, estaba en primera fila, y empezó a bastonear en el piso con su paraguas y a gritarles que no se oía nada. El pleito siguió en la prensa cuando desde el grupo Polvo de Gallina Negra cuestionamos a la crítica por portarse como la mamá gritona y regañona de la quinceañera. Me sorprendió mucho que que Ellizabeth no hubiera salido corriendo lo más lejos posible del medio artístico después de esa amarga experiencia, pero afortunadamente siguió su camino.

Aurora, óleo s/tela, 23 x 35 cm, 1995

Después de aquellos años intensos de trabajo y convivencia nos vimos poco, aunque en algún momento me regaló un pequeño óleo sobre tela titulado “Aurora”, de 1995, que acompaña desde entonces, y hoy me recuerda su presencia sutil, inteligente y llena de matices.

Pero la muerte es implacable y hace algunos años me enteré que Elizabeth falleció, demasiado prematuramente. Hoy, gracias al amoroso trabajo de sus hermanas por reunir su obra, he tenido la oportunidad de ver una amplia colección de sus pinturas y me han impactado.  Sus obras, que de lejos da la sensación de suavidad, como aquellas telas del performance con Tlacuilas y Retrateras, ya de cerca nos permiten recorrer una amplia gama de sentimientos y sensaciones, que van desde el terror mortal o la calma del paisaje idílico, hasta el misterio de una mujer con los ojos cerrados y un huevo en la boca o las imágenes que nos remiten a los cuentos de hadas.  

Pero el cuadro que más me sorprendió, es un extraño bodegón que parece que estamos viendo desde arriba o que está hecho para montarse sobre una mesa. Me fascina por explícito: en poco menos de la mitad del cuadro vemos solo fondo, aparentemente de un solo color, pero que visto con cuidado nos presenta gran cantidad de tonalidades. Sobre este hay naranjas enteras, un gajo solitario y tres cerezas o pequeñas ciruelas, una de ellas alejada de las otras, como acercándose al gajo de naranja. Las posibilidades de interpretación son múltiples, desde un cuadro que aún estaba en proceso, un recuento minucioso de lo que veía frente a ella, la metáfora de un núcleo familiar o la fascinación por las formas, colores y texturas que es evidente en toda su obra. 

Si Elizabeth estuviera viva y si yo siguiera escribiendo sobre arte para un periódico, antes de escribir este texto la hubiera llamado para ir a su casa o a su estudio a platicar con ella toda una tarde sobre sus piezas o su proceso, para preguntarle qué buscaba a través de sus obras. Me entristece no poder hacerlo, pero me conmueven sus piezas que nos siguen hablando. 

Segundo tiempo

En un segundo momento de este nuevo acercamiento a mis recuerdos de Elizabeth y de su obra, tuve la oportunidad de asistir a su estudio, conservado casi igual que cuando ella lo habitaba. En esta ocasión, ante la sorpresa de ver personalmente la enorme cantidad de obra que ella dejó, preferí hacer un pequeño video para el proyecto Archivando y Hablando en Instagram Archivando y Hablando en Instagram al que estoy subiendo pequeñas piezas en aos que me refiero a ese lugar en el que la memoria y los materiales de archivo se desgastan, lo cual es triste, pero a la vez este olvido permite resaltar cosas en las que no nos habíamos fijado antes.

Además, estar en el estudio de Elizabeth me hizo comprender que hay cosas que se pueden decir con las palabras y otras con las imágenes. Les invito a a YouTube a verlo AQUÍ.

^[i] El No 33 de la revista FEM, de abril-mayo 1984 dedicado a La mujer en el arte, incluye un artículo llamado Tlacuilas y Retrateas en el cual dan cuenta del taller, de su brupo y de una investigación que hacen sobre la situación de las artistas, tanto en espacios culturales gubernamentales, como en galerías privadas.

Mónica Mayer 2023